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« July Talk » , Ou le rock surprenant de La Belle et La Bête

July Talk fait partie de ces groupes qui, à la première écoute, provoquent un certain étonnement. De prime abord, ils ne semblent pas prétendre faire dans l’originalité : un chanteur, une chanteuse, et la formation classique bassiste-batteur-guitariste. Sur le papier donc, dans leur album éponyme, rien de susceptible de me séduire outre mesure,  moi qui n’éprouve en temps normal qu’une attirance limitée pour le rock.

Et pourtant, dès les premières paroles, je n’ai pu m’empêcher de hausser les sourcils. Pourquoi ? D’abord, parce que ces musiciens polyvalents ne se cantonnent pas à cette formation éculée et n’hésitent pas à venir l’enrichir. Ils évitent ainsi de tomber dans la redondance : entre deux morceaux de rock assez basiques, on tombera sur du piano, quelques touches saturées de synthé … Sans toutefois jamais vraiment flirter avec l’électro/pop. Mais aussi et principalement, à cause de ce duo de voix, qui fait à la fois l’âme et l’intérêt majeur du groupe.

Dans The Come Down Champion (piste n°13), ces deux aspects sont tout particulièrement mis en avant :

Le morceau amène immédiatement une ambiance paisible, douce. Le rythme est lent, tandis que la partie instrumentale, épurée, mélange essentiellement percussions aiguës et piano. Rapidement, la voix quasi-enfantine de la chanteuse vient y instaurer une certaine mélancolie. Puis vient le refrain : une voix masculine, grave et rauque, émerge accompagnée par l’omniprésence d’un synthé. On est dès lors saisi par le contraste des voix, l’une fluette l’autre gutturale, semblant appartenir à deux univers que tout oppose.

De cette forte opposition naît une atmosphère propre à July Talk. D’un côté la puissance vocale du chanteur et de l’autre la fragilité apparente de la chanteuse mettent en place un dialogue inattendu, qui vient se développer sur l’ensemble des pistes du projet. Ceci est exacerbé par le fait que la structure de l’album, soigneusement étudiée, repose elle-même sur l’intéressante dichotomie de deux ambiances distinctes : des premiers morceaux ressort une véritable énergie, qui met particulièrement en avant le timbre singulier du chanteur. Celui-ci y occupe alors le plus gros de l’espace. En revanche, dans la seconde moitié de l’album, les pistes deviennent plus calmes. S’agrémentant parfois d’une touche de spleen, elles collent finalement mieux à l’empreinte vocale de la chanteuse.

Si agréable soit-elle, une telle construction présente un risque majeur : à trop vouloir jouer sur des contrastes préétablis, on peut finir par en devenir prévisible. À l’heure où j’écris ces lignes, July Talk n’a encore sorti qu’un seul album. Celui-ci est à mon sens une réussite, mais je m’interroge : sauront-ils se renouveler et s’inscrire dans la durée, sans essouffler leur recette ?

Boscherelle, nouveau venu sur Lorpheric.com.

« Magic bones », pour avoir mal au cou sur le chemin du boulot.

Magic bones

J’ai toujours horreur de ces bibliothèques musicales où il est impossible de trouver autre choses que quelques mp3 disparates. La même frustration est présente à l’ouverture d’un puzzle auquel il manquerait des pièces. Ainsi, je ne m’imaginais même pas faire de chronique sur le single dont je vous parle aujourd’hui, mais lorsque je découvre sur mon Ipod que l’entrée « Magic bones » comporte 4 pistes au lieu des 2 attendues, les fers de mon autocensure volèrent en éclat au rythme de mon headbanging.

« Magic bones » est un jeune quatuor de rockeurs Australiens et on parle aujourd’hui de leur second single « Danger I Am ». Si j’ai immédiatement accroché à leurs productions je pense que c’est d’abord parce qu’il m’a rappelé certaines de mes premières explorations musicales. Il y a de cela quelques années alors que je commençais à remplir par moi-même le dossier « album » de mon disque dur j’ai eu une phase Pop/Rock british avec notamment The Hoosiers, The Fratellis ou encore The Automatics comme tête d’affiche. D’une certaine façon l’enthousiasme et l’insubordination de Magic Bones fait écho à ces amours de jeunesse. Leur son peut certes paraitre assez classique mais il s’en dégage une énergie, un entrain qui vous prend instantanément.

Si vous êtes de ceux qui profitent de leurs albums de rock en hochant la tête préparez-vous, le tempo de ce single est frénétique. Cette allure qui laisse les cymbales dans un état de vibration quasi-constant émane du côté garage-punk du groupe, c’est ce qui leur donne puissance et arrogance. De leur côté les cordes sont plus mesurées dans le sens où quand bien même elles s’usent la voix et se saturent avec chaleur, le bruit n’outrepasse jamais la mélodie. Cet équilibre est complété par le chant qui humanise l’ensemble. Les deux voix, une féminine l’autre masculine, par leur alternance créent une tension dans les pistes. Elles se cherchent se plaisent, se confrontent parfois avec crânerie ou même avec violence. J’ai l’impression que c’est la figure du gentil « bad boy » qui résume le mieux mon ressenti. Ce personnage attachant par sa fougue et sa jeunesse qui essaye, en faisant (gentiment) du bruit, de plier le monde à sa volonté.

Pour un groupe qui n’a pas encore un album à son actif Magic bones respire audace et inspire véhémence, j’attends la suite avec impatience.

« Vienna Ditto », quand le Far west se met au goût du jour.

Vienna-Ditto

Il est des fois où le mélange réussi est là où on ne l’attend pas. Pour tous ceux qui ont aimé ce blues des grandes plaines, tout en étant avides de sonorités électros, cet album tout entier est pour vous.

Nous parlons aujourd’hui du premier album, Circle, de « Vienna ditto » un duo originaire d’oxford. Je tiens à dire que le petit côté western de cet album est ce qui m’a poussé à vous le proposer. Ne vous attendez toutefois pas à danser la Square Dance, il s’agit plutôt d’une impression de fond, d’un filtre sépia légèrement vieilli sur une musique à la page.

On découvre dans cet album un blues brut et expressif se balançant entre pop et rock. Les cordes rauques et usées par l’alcool se doublent d’une rythmique au galop, le tout transmettant une véritable puissance. Néanmoins ces élancées sauvages sont tempérées par des espaces calmes où le soleil brûlant laisse place à une brise légère et sensible. Dans ces paysages tantôt caverneux tantôt libérateurs s’immiscent nombres d’hallucinations électroniques. C’est bien cette fusion qui fait toute la singularité de l’album. À la manière d’un rêve les multiples nappes et percussions électroniques nous suggèrent le doux bruit d’une rivière souterraine quand toutefois il ne s’agit pas des éclats d’orage. Mais cet album est  également chanté. La voix de la chanteuse se plie impeccablement à toutes les circonstances musicales. Elle nous porte et nous emporte au gré de ses émotions, nous figurant plainte, injustice ou encore amour.

Les nombreuses influences m’ont apporté un véritable plaisir lors de mes écoutes répétées, bien que certaines peuvent être presque trop voyantes à l’image de Hammer and a Nail me rappelant sans cesse l’air de ce pénitencier animal de La Nouvelle-Orléans.

Cet album présente des qualités indéniables, l’orchestration y est étonnamment riche et les nombreuses bonnes surprises effacent les quelques reproches, (notamment l’impression d’un album inégal) que j’aurais pu avoir lors de mes premières écoutes.

 

« Decibelles », pour sortir du sommeil avec énergie.

 

decibelles

Il y a parfois cette envie qui me prend de secouer la tête bien fort, de retourner à quelque chose de brut, d’écouter un bon rock simple et efficace. Ces objets sonores défouloirs, j’avoue avoir du mal à les dénicher, du moins dans l’ « écosystème Bancamp ». Alors pour tous ceux partageant cette peine j’espère aujourd’hui vous combler.

Decibelles c’est trois filles énergiques et énervées; c’est un Cup-cake Punk. Cette petite bande de lyonnaises a sorti leur dernier Ep Sleep Sleep en septembre dernier, et je trouve ça top. Un ami musicos m’a dit l’autre jour que « en général » du fait de la faible représentativité de la gent féminine dans la musique et surtout dans le rock les exigences qualitatives à l’écoute seraient plus faibles. Je ne saurais me prononcer sur cette idée, ni même avancer que je ne suis pas moi aussi victime de ce phénomène, mais je vous assure en tout bien tout honneur que grand est mon plaisir en écoutant ce mini album.

les deux éléments qui ont immédiatement su attirer mon attention sont le chant et les textes. Sans se limiter à un glaçage rose et sucré, je dois reconnaître que le chant est l’élément qui confère au groupe une marque de fabrique. Il permet de faire naître une influence pop acidulée dans un enrobage rock tendant vers le punk. J’avoue également volontiers avoir un faible sur les deux pistes de l’Ep chantées en Français. Oscillant entre un aspect ludique et virulent elles se détachent  du reste de l’Ep, lui en anglais.

Decibelles c’est également une super-expérience de concert. Je suis allé les voir à l’OPA il y de cela quelques semaines et ça envoie. Le live était plus rock, plus nature que la version studio. Sur scène le groupe s’est donné à fond avec une batteuse/chanteuse remarquable qui soutient avec brio la basse et la guitare. Cerise sur le gâteau elles sont super sympas et les vinyles sont moins chers que sur le net !

Sans être une révolution dans le genre Sleep Sleep vaut bien une écoute, c’est comme un macaron avec un parfum inconnu : la base est assurée et la petite touche de nouveauté fait toujours plaisir.

« The Fat White Family », Quand le garage du voisin fait du bruit.

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Vous avez aujourd’hui envie de vous rebeller, de râler contre ces artistes trop aseptisés qui passent à la radio, j’ai ce qu’il vous faut. Je vous présente ici-même Champagne Holocaust, une production dissonante, déglinguée, et certainement désinvolte. Cet album est le premier du groupe, il faut toutefois préciser que les six membres le composant ne sont eux pas à leur début.

The Fat White Family puise sans aucun doute leur inspiration dans un vieux Rock garage US, une Amérique profonde en contradiction avec son temps. Les guitares sont saturées, mal accordées et accompagnent un chant oscillant entre nonchalance et lamentation bruyante. Les textes vulgaires et abrasifs m’invitent  à rentrer dans leur protestation. Je suis absorbé par leur rythmique. Je prends plaisir à les rejoindre dans leur impertinence, je me sens un peu comme avec une bande de vieux copains avec qui on fait des blagues de mauvais goût.

Champagne holocaust est une construction musicale étrange, il y a quelque chose de rouillé dans son ambiance, et on s’étonne que tout tienne encore debout. On y voit un vieux tracteur abandonné dans les grandes plaines, cerné de champs en friche. Une machine qui s’oxyde jaunit avec le temps mais pour peu qu’on la croie hors d’usage, elle se remet en marche crachant sa fumée noire dans un orage de bruits métalliques ; prête à retourner la terre.

Cet album est une expérience agréable pour changer d’air, relâcher ses ressentiments enfouis en bougeant la tête verticalement.

 

*The Fat white Family sera en concert le 13 novembre 2015 à la cigale (festival les inrocks).

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